Corpo-Gesto

CORPO-GESTO foi concebido a partir do debate sobre a intenção do corpo perante o gesto: um gesto emocional, um gesto intencional, um gesto reativo, uma marca de identidade ou até mesmo a prevenção do gesto. Foi do pensamento dessa pluralidade de resultados através do gesto que curadoria se estabeleceu, e que conta com uma diversidade de obras que abarcam tanto expressões corporais como resultados obtidos através dos movimentos do corpo.

Ao considerarmos a gesticulação como uma expressão ou tentativa do corpo humano de restabelecer a normalidade, propomos uma curadoria exclusiva de artistas mulheres ou não binárias para abordar esse tema. Os trabalhos apresentados traduzem suas vivências com e por meio de seus corpos, explorando as relações com os movimentos corporais.

As imagens dos corpos das artistas estão presentes em algumas das obras, destacando a proposta curatorial de maneira mais evidente. Por exemplo, Letícia Parente, através de seu filme desenvolvido a partir de imagens fotográficas, gesticula pés e mãos e pede por "ora pro nobis [ore por nós]", colocando o corpo como sagrado ou buscando intercessão divina para sua proteção. Darks Miranda, entretanto, realiza uma pose que nos remete a um gesto obsceno enquanto desfruta de um mamão, desafiando a objetificação das personagens "mulher-fruta " e encontrando prazer em si mesma.

Para a participação de Anna Bella Geiger, sugerimos um de seus trabalhos mais emblemáticos, no qual a artista critica uma identidade nacional simulada em cartões postais do Brasil. Ao repetir gestuais indígenas nesses cartões, Geiger expõe não apenas a exotização das imagens, mas ironicamente apresenta abismo entre a representação estereotipada e romantizada dessas imagens e a dura realidade da violência sofrida pelos povos originários por parte do Estado. Além dessa obra, duas outras fotografias suas estão presentes na mostra, nas quais vemos o delinear de uma escavação em formato de corpo na terra, parecendo uma cena ritualística. Podemos abordar a obra através de dois caminhos: imaginamos a presença da artista como sujeito desse processo ritual assim como a pessoa por trás das mãos que escavam as marcas.

Carla Chaim e Niura Bellavinha incorporam em seus trabalhos os rastros de presença das artistas. A marca do pincel de Bellavinha e da mão de Chaim na obra intitulada "Tapas" enfatizam os movimentos das artistas, revelando o corpo como o feitor de marcas: são gestos expressivos que demarcam a performatividade das artistas. A presença e gesto funcionam também como ação do tempo sobre o ato de pintar. As obras de Márcia Thompson enaltecem esse diálogo considerando ações opostas: a obra, o material não se contém. A tinta à óleo esbanja domínio, fazendo com que a própria artista perca o controle. A tinta que demora a secar, de repente enclausurada dentro de uma caixa de acrílico vai demorar ainda mais para enrijecer e com isso vai sujando as paredes outrora limpas da sua contenção. A falta de controle permite o gesto, a marca e o corpo da obra de desenvolverem livremente, crescendo para dentro do espaço de forma desmedida.

Lia Chaia apresenta duas fotos de telas de proteção com tramas cortadas à la Fontana, expondo mais nitidamente o que está por trás. O gesto de corte permite o ofuscamento dos planos, do primeiro plano (tela) ao pano de fundo (espaço, ou jardim), do que é obra de arte com o que é vida. Considerando a execução da obra em impressão fotográfica, os planos são um único, produzindo uma manipulação imagética que na verdade abre espaço para para a transposição de outros lugares, como as florestas e jardins por detrás dos controlados painéis.

Muitas obras escultóricas transferem a imagem dos gestos para a corporalidade material, conferindo realidade aos fragmentos e vestígios do corpo. As artistas Ayla Tavares e Mestre Irinéia investigam marcas de mãos e traços minuciosos. Tavares desenvolve candelabros de cabeça para baixo e de formas tortuosas, perturbando a lógica prática do objeto. Na montagem das esculturas percebemos os desenhos feitos pela artista nas superfícies que ficam escondidas como apoio das peças superiores, um gesto de cuidado e afeto com o que é interior, com a obra e com quem a maneja. Ambas artistas consagram o passado, a natureza e o natural. Irinéia, pisoteia, amassa e molda o barro de maneira bem artesanal, suas esculturas são lembranças de uma vivência local de sua comunidade, a árvore apresentada na mostra relembra uma enchente na qual ela e suas irmãs passaram a noite em cima de uma jaqueira esperando a água baixar.

A escultura de Iole de Freitas é composta por placas de policarbonato translúcido e uma grande lança em rosca que conectam as três placas avulsas. As formas de policarbonato ganham movimentos sob as mãos da artista, se contorcendo ou se movimentando de forma inusitada e até mesmo improvável. Como em um alongamento ou uma dança, notamos a tensão de cada pose que mantém equilíbrio, força e leveza. A escultura de Iah Bahia é feita com papel de modelagem de roupas, moldados através de si, fazendo com que o próprio papel - material leve que corre risco de amassar ou rasgar - encorpe.

Tanto Ana Clara Tito como Brígida Baltar exploram em suas obras o paradoxo entre refúgio e detenção. A escultura "Usos da raiva" de Tito é manufaturada a partir do corpo da artista, que, através da força corporal, molda vergalhões ao seu redor, podendo ser um objeto de proteção ou de aprisionamento, proporcionando uma reflexão sobre os limites e as defesas que permeiam a condição humana. Baltar remete a ideia de proteção, da construção de abrigo, ao usar tijolos para erguer uma parede em volta de si. A partir de uma série de registros de uma ação, observamos a artista estruturando uma torre circular que acaba a enclausurando em vez de a abrigar.

As marcas de ferrugem de grades metálicas com estilos rebuscados são impressas na tela de Agrade Camiz. Deixa-se acontecer, permitindo com que o tempo tome conta do transcurso e não apenas a intenção, a marca deixada pode ser uma analogia à cicatriz, como certifica o nome do trabalho, e também ao processo de abrir mão da nossa capacidade de aguentar, aceitando os vestígios como parte da vivência. A pintura de Rose Afefé também cruza paralelos com temporalidade. Carregada de nostalgia, nos suscita o desejo quase incontrolável de nos relacionarmos com ele, induzindo a imaginação do movimento manual de abrir ou fechar a tramela. O que é aberto ou fechado? O que é exposto ou coberto? São dúvidas que surgem mas que são respondidas a partir do afeto de cada um.

Já Lyz Parayzo, por meio de seu móbile, sugere um contra-gesto: um objeto lúdico que, na verdade, desencadeia lesões e cortes na pele, representando um contra-ataque a quem se arrisca a interagir com a obra. O trabalho resulta de gestos de corpos que se defendem e, por isso, atacam. Os trabalhos de Nazaré Pacheco, quase como premonição de um intervir com Parayzo, são causa e consequência: a imagem das gotas de sangue é o resultado de um pequeno manuseio impreciso das giletes e bisturis tão presentes na pesquisa e na vida da artista, fruto da execução de uma obra anti-toque.

Adrianna eu expõe uma singela obra: uma escova de prata que, no lugar de seus dentes, encontram-se fios de prata. Para além de um contra-gesto, a impossibilidade do gesto se apresenta no impedimento total de utilizar a escova de forma usual, que atrapalha e faria emaranhar os fios metálicos com os da cabeça. A obra, afinal, carrega o título "As inúteis".

Val Souza constrói um encontro com o espectador. Ao utilizar de espelhos, a obra só pode ser completa a partir do reflexo de quem a encara e do ambiente à sua volta. Porém, esse espelho é repartido e fragmentado em semicírculos que nunca se completam, dificultando as costumeiras práticas gestuais de acontecerem.

Gabriela Davies e Maíra Marques